Théâtre

Le jour de ses dix ans, en 1905, Albert Cohen se fait traiter de « sale youpin » par un marchand ambulant. Ce jour-là, il découvre simultanément qu’il est juif et que cette différence fait de lui un paria. Plus de 65 ans plus tard, il tire de cette expérience marquante Ô Vous, Frères humains. Dans le style généreux et poétique qu’on lui connait, l’auteur de Belle du Seigneur dénonce l’absurdité et la violence destructrice de toutes les discriminations. Il nous rappelle que notre temps sur terre est compté et que nous ne devons pas le gaspiller à haïr nos semblables. Profondément touché par ce texte, Bernard Cogniaux le porte à la scène en 2000. En effet, quoi de mieux qu’un spectacle pour savourer collectivement la beauté de la langue de Cohen et son appel à la tolérance et à la fraternité ? Il touche le public droit au cœur et remporte le Prix de la Critique du meilleur seul en scène. 25 ans plus tard, le comédien remonte sur les planches avec ce texte plus que jamais nécessaire.

Atteint d’une infirmité motrice cérébrale, William est un garçon de 14 ans enfermé dans son corps. Ne pouvant pas parler, il nous invite à entrer dans sa tête pour suivre son histoire, de sa naissance à son émancipation aux côtés de ses copains d’internat « tous plus amochés les uns que les autres ». Sur le plateau, transformé en studio d’enregistrement feutré, un chœur de onze interprètes joue une kyrielle de personnages et élabore en direct la musique, les bruitages et les ambiances de ce récit extraordinaire. Pour vivre ce voyage sonore épique au plus près des sensations du jeune Willy, la dimension acoustique du spectacle passera par des casques audio distribués à l’entrée de la salle. Fondé en 2011, Le Collectif Wow ! est une bande d’artistes qui questionne le monde au travers du langage radiophonique et sonore. Leur spectacle Beaux Jeunes Monstres n’est ni une pièce de théâtre à entendre ni une fiction radio à voir, mais une forme hybride et pluridisciplinaire à la croisée de l’oratorio (par son intimité), de l’épopée (par son envergure) et du concert (par sa fougue).

Depuis 400 ans, un dragon terrifiant, capable de prendre diverses apparences humaines, règne en tyran sur la cité. Chaque année, la population doit payer un lourd tribut au dragon en lui offrant en sacrifice une jeune fille. Jusqu’au jour où Lancelot, héros professionnel, arrive dans la ville et s’éprend d’Elsa, la prochaine jeune femme désignée et résignée. Il décide alors de tuer le dragon et provoque le monstre en duel. Ce chef-d’œuvre de Schwartz, écrit durant la Seconde Guerre mondiale, en plein essor du nazisme, use de la métaphore avec brio et humour pour dénoncer le pouvoir absolu. Sa plume, d’une inventivité extraordinaire, féérique, est aussi intelligente que percutante. Un théâtre qui met l’individu en face de ses choix et des conséquences qui en résultent. Après le triomphe de leur mise en scène du Dragon sous chapiteau en 2001, Axel de Booseré et Maggy Jacot reviennent au Vilar avec une toute nouvelle version de ce fantastique spectacle.

Trois femmes. Tout d’abord Céline, mère d’un petit garçon en situation de « handicap intellectuel ». Elle en est fière et heureuse. Ensuite, Tania, musicienne. Elle possède la même singularité génétique que cet enfant. Et la troisième, Eva, partage leur amour du théâtre. Toutes trois incarnent avec humour les difficultés quotidiennes imposées aux personnes en situation de « handicap » et à leurs familles. Par le théâtre, par la musique live de Tania et avec une irrévérence joyeuse, elles nous font entrer dans ce monde parallèle. On y est peut-être plus heureux et peut-être plus conscient aussi de la richesse de l’humanité. Quand elles sont rattrapées par la violence de l’exclusion, elles tiennent le cap pour nous raconter leur utopie : et si un monde qui n’excluait pas était possible ? Metteuse en scène et comédienne, Céline Beigbeder porte des projets aux fables étonnantes et toujours rigoureusement documentées. Pour la quatrième année consécutive, nous collaborons avec onze lieux de culture du Brabant wallon pour présenter une création du Vilar aux quatre coins de la province. Elle passera forcément près de chez vous !

Une professeure de littérature corrige les rédactions de ses élèves. Une pépite surgit parmi une multitude de copies médiocres. C’est le texte de Claude, ce garçon toujours installé au fond de la classe. Son sujet, la vie d’un de ses camarades de classe. Fascinée par l’écriture du jeune homme qui flirte entre voyeurisme et exercice littéraire, l’enseignante l’encourage à poursuivre ce feuilleton… Le Garçon du dernier rang pose subtilement et subversivement des questions inhérentes à la littérature. Est-ce qu’écrire peut nous extraire de nos conditions de vie ? À quel prix ? Quelles en sont les limites et selon quelle morale ? Jusqu’où un écrivain peut-il puiser dans la réalité des autres pour écrire une « fiction » ? Cette pièce espagnole, écrite en 2000, a été créée en français en 2009. Trois ans plus tard, François Ozon l’adapte au cinéma sous le titre Dans la maison. Venez redécouvrir cette intrigue jouée pour la première fois au Vilar en 2024.

C’est l’été dans la cité des Enchantements. Il fait une chaleur accablante, la piscine municipale est fermée et l’argent manque à Mo, Lu, Tratra, Maï, So et Cha pour s’évader vers d’autres horizons : Dubaï, Marseille… Peu importe, tant qu’il y a la mer. Qu’à cela ne tienne, nos six jeunes ne vont pas attendre les bras croisés entre le béton et l’ennui. S’ils ne peuvent pas aller à la mer, c’est la mer qui viendra à eux ! Portés par une ambition débordante, ils décident de transformer leurs blocs d’appartements en une station balnéaire improvisée. Ils réinventent leur quotidien et font de cet été un véritable enchantement en attendant la pluie… Une pluie douce et libératrice. Grâce à des dialogues savoureux, pleins d’humour et d’impertinence, Clémence Attar retranscrit avec justesse l’énergie, les attitudes, les mots et les codes de langage de l’adolescence.

Pour donner un nouveau souffle à son entreprise familiale, la directrice du parc animalier L’Écrin du Borinage décide de faire appel à une société de réalité virtuelle et augmentée. Elle espère, grâce à ce dispositif innovant, offrir à son zoo un avenir meilleur. Ainsi débarquent des spécialistes de l’entertainment moderne au secours du divertissement d’hier pour l’élaboration du premier parc animalier virtuel. À travers ce spectacle, le collectif .jpeg s’attaque à une spécificité de notre temps : la virtualisation du corps à l’heure de la disparition du vivant. Fondé en 2017 par cinq étudiants de l’Institut des Arts de Diffusion (IAD), ce jeune collectif explore principalement l’influence des technologies numériques sur notre intimité, nos relations sociales, notre rapport au monde et nos imaginaires à travers des récits fictionnels tragi-comiques.

Vincent, la quarantaine triomphante, va être père pour la première fois. Invité à diner chez Élisabeth et Pierre, sa sœur et son beau-frère, il y retrouve Claude, un ami d’enfance. En attendant l’arrivée d’Anna, sa jeune épouse, on le presse de questions sur sa future paternité. Quand on lui demande s’ils ont déjà choisi un prénom pour l’enfant à naitre, sa réponse plonge la petite assemblée dans le chaos… Matthieu Delaporte et Alexandre de la Patellière s’en sont donné  à cœur joie dans cette pièce créée en 2010 et adaptée au cinéma en 2012 avec Patrick Bruel dans le rôle principal. C’est incisif, rapide, mordant, saignant même, et irrésistiblement drôle à la fois.

Dans les ruines de sa maison, détruite par la guerre, une jeune enfant joue avec un chaton. Par des histoires fantastiques qu’elle se raconte, elle cherche à appréhender ce nouveau monde de l’autre côté du miroir et se lance dans un jeu de survie, où les compromis, le désespoir et l’empouvoirement font grandir. Un jeu pour ne pas sombrer et ne pas oublier son nom et ses origines. Un jeu auquel il faut participer, même en tant que Pion, sur le grand échiquier, quand bien même il aurait mieux fallu être Reine. Après ses deux spectacles multiprimés Tchaïka et Loco, la compagnie reconnue internationalement pour son travail de la marionnette s’inspire de la suite des aventures d’Alice au pays des merveilles. À travers les yeux d’une enfant, Une Traversée explore les mystères et les mécanismes de la conscience et de l’imagination qui s’activent pour faire face à l’absurdité de notre monde au bord de l’effondrement, déchiré par la folie de la guerre.

Un grand établissement séparé de la ville par une épaisse et sombre forêt. Dans l’espace commun de cette demeure, Madame court d’une pièce à l’autre, préoccupée par des chiffres, des grilles, des listes… et cette fissure dont il faudrait qu’elle s’occupe. Jean et Silvia, deux résidents, échangent au sujet de « la nouvelle », Claire Lagrange. Elle peint, lentement, machinalement, avec de la gouache pour enfant. Sa lenteur extrême contraste avec l’agitation dans laquelle elle est arrivée quelques jours plus tôt. Jean et Silvia cherchent à comprendre ce que peut recouvrir son silence, se souviennent de ce qu’elle a dit dans son agitation, écoutent à travers les murs, sondent chaque indice. De l’autre côté de la forêt, Madame Lagrange, la mère de Claire, est perdue. Jamais elle n’aurait pu imaginer qu’un tel évènement surgirait dans leur famille… Mêlant théâtre de Playmobil et poésie, Céline Delbecq nous plonge dans un récit sensible où les fissures du monde révèlent la nécessité du lien et de l’émerveillement.

La Mouette, c’est une pièce mythique d’une incroyable richesse. À travers l’histoire d’une famille, elle nous emmène dans une passionnante réflexion sur l’art, les inégalités sociales, les conflits entre générations, le temps qui passe et l’amour. Surtout l’amour. « Cinq tonnes d’amour », disait Tchekhov lui-même. C’est l’été, une scène improvisée se dresse en bord de lac, sur le domaine familial. Treplev s’apprête à jouer sa première pièce, un manifeste pour un théâtre nouveau. Il a confié le rôle principal à Nina dont il est amoureux. Elle rêve d’être comédienne. Treplev a invité sa mère, Arkadina, actrice en vue à Moscou, et l’amant de celle-ci, Trigorine, auteur à succès. Comment ces artistes reconnus, qui appartiennent à l’ancienne génération, vont-ils réagir face à sa pièce innovante ? Fort de 40 ans d’expérience de la scène, Frédéric Dussenne monte ce grand classique du théâtre. Il s’entoure d’une merveilleuse équipe de onze comédiens et comédiennes, qui mêle artistes chevronnés et nouveaux talents.

Sur scène, Geneviève Damas nous raconte l’histoire d’une famille, les valeurs qui se transmettent entre générations, les non-dits, l’argent et les inquiétudes qu’il suscite. Cette histoire, c’est son histoire. Cette famille, la sienne. Elle nous fait le cadeau de nous emmener dans son intimité, en toute simplicité. Avec quelques projections d’anciennes photos de famille, elle remonte le fil des années et nous raconte sa grand-mère universitaire, son grand-père marqué par la guerre, la dot que sa mère lui a proposée, la bibliothèque de son père… Après nous avoir régalés avec ses précédentes créations (Quand tu es revenu, La Solitude du mammouth, Perfect Day…), Geneviève Damas revient avec un spectacle piquant, sur le mode de la confidence. Avec le talent qu’on lui connait, elle démêle les fils de son histoire familiale pour mieux comprendre qui elle est aujourd’hui et son rapport à l’argent.

2054. Tout est semblable à aujourd’hui, mais « en pire ». L’IA assure le pilotage des projets et optimise le travail des humains, les écrans sont omniprésents. Le jeu télé du moment ? Des candidats endettés viennent chercher l’espoir d’un nouveau départ. Le grand gagnant deviendra l’égérie d’une campagne de prévention contre le fléau que représente l’addiction aux jeux d’argent. Mais que va-t-il se passer lorsque notre coqueluche se rebellera contre les pratiques d’un (neuro)marketing exacerbé ? La magie du théâtre opère alors et nous plonge dans le monde des abysses. Un monde parfois dissonant, peuplé d’êtres hybrides, de monstres accueillants qui, à leur tour, nous posent une énigme… À travers une série de tableaux surréalistes, le spectacle aborde sous l’angle de l’humour les paradoxes de notre modernité. Tandis que le marketing consumériste a conquis nos cerveaux par les promesses de confort, de profit ou de bonheur, les addictions nous assujettissent et nous conduisent à des comportements non maitrisés. À l’heure où l’humain se positionne en maitre absolu de la nature, est-il encore libre de penser et d’agir selon sa volonté propre ? Et si nous apprenions à réécouter le vivant pour recréer du lien entre nous ? Par sa nouvelle création, Yvain Juillard mêle théâtre et magie nouvelle. Accompagné à l’écriture de chercheurs et chercheuses en neurosciences, il nous propose une réflexion pleine de sens et terriblement d’actualité.

72 gars d’Afrique de l’Ouest débarquent dans un petit village au pied de l’Etna. Leur arrivée divise les habitants. Commence alors un temps suspendu : l’attente des papiers avec cette latence qui attise la méfiance et use les volontés. Au fil des mois, les solidarités faiblissent à mesure que les certitudes politiques se muent en frustrations. Sur le plateau, 11 comédiens et comédiennes et une dizaine de figurants font vivre cette fresque en français dans laquelle résonnent aussi l’italien, le bambara ou le sérère. Avec l’urgence de son engagement auprès des personnes exilées, Marie-Aurore d’Awans s’empare de ce magnifique texte et soulève une question brulante : que sommes-nous prêts à partager avec ceux qui arrivent ?

Mai 2022. Le comédien Thibault Wathelet contacte son ami Alexandre Drouet pour l’aider à réaliser des capsules vidéo sur la dépendance à l’alcool. Ils interviewent alors 15 personnes, certaines en pleine lutte contre l’alcoolisme, d’autres abstinentes depuis un temps plus ou moins long. Thibault pose les questions, Alexandre filme. Tout est tourné dans une maison à Ottignies : Patchwork, un service qui accompagne et aide les personnes dépendantes. Un an plus tard, suite à cette expérience bouleversante et toujours traversé et habité par ces récits, Alexandre propose à Thibault d’en faire un spectacle qu’il écrira et dans lequel Thibault jouera. Mais comment aborder un sujet aussi sensible que notre rapport à l’alcool ? Le théâtre d’objets s’impose alors. Pour sa distance indispensable. Pour son universalité, aussi. Et, parce qu’il permet la délicatesse ludique du décalage.

Josépha Sini nous raconte l’histoire de sa mère, Pépée, avocate au barreau de Liège. Une mère paradoxale, flamboyante mais torturée, terriblement brillante mais tout autant négligente. Loin du misérabilisme, Josépha porte un regard à la fois comique et empreint de dérision sur la vie. Solo théâtral traversé d’éclats de rires et d’effarements, ce spectacle crée un espace où le rire permet de dépasser le tragique et de libérer une parole trop souvent retenue.

Au départ, un jeune couple moderne dans la queue d’Ikea et une question : peut-on, doit-on, a-t-on envie de faire naitre un enfant dans ce monde chaotique ? Ensuite, une série de questionnements et de débats : la parentalité, l’écologie, notre responsabilité dans ce monde, la relation de couple une fois devenus parents, le corps de la femme qui change… Poumons est une comédie dramatique dont le sujet retentit dans l’intimité de tous les amoureux : faire ou ne pas faire d’enfant ? Elle nous propulse au plus profond de l’histoire commune de deux personnes, où se disputent raison et sentiments, éco-anxiété et désir de parentalité. Portrait d’un amour imparfait dans un monde imparfait. Le spectacle Poumons est la première mise en scène d’Anne-Pascale Clairembourg. Après son succès en janvier 2025 au théâtre Blocry, la pièce britannique fait son retour chez nous cette saison, avant une tournée en Wallonie !

C’est la nuit. Un immeuble. Trois fenêtres restent éclairées. Derrière ces fenêtres, on aperçoit une adolescente qui prépare à manger pour sa maman, un homme qui soigne son compagnon, une femme qui cherche son père égaré dans le couloir. Trois histoires singulières : celles de personnes aidantes et aidées. Peu à peu, au fil des saisons, nous découvrons le quotidien de ces voisins, dans un récit choral qui se passe de mots. Sur scène, cinq comédiens masqués donnent vie à ces histoires entremêlées. Ils déploient un univers visuel puissant et poétique pour mettre en lumière les gestes du soin et les montagnes russes émotionnelles qui y sont liées. Pour cette nouvelle création, la metteuse en scène Héloïse Meire se nourrit d’ateliers qu’elle a animés pendant plusieurs années avec des personnes aidantes-proches. Elle crée un conte moderne, une fiction sensible et onirique, empreinte des récits de celles et ceux qu’elle a rencontrés.

Dans un style vif et acide, l’autrice allemande Maja Zade, dramaturge et autrice de la Schaubühne à Berlin, inscrit le mythe antique de Sophocle dans notre siècle et le connecte à nos préoccupations actuelles, comme le sexisme et l’écologie. Les rois et reines thébains de la tragédie originale laissent ainsi place à de riches industriels. Christina gère une entreprise familiale de produits chimiques destinés à l’agriculture. Alors qu’elle profite de quelques jours de vacances en Grèce avec son amant, les soucis ne cessent de s’accumuler. Entre crises professionnelles et personnelles, les secrets de famille choquants affleurent. Pour sa deuxième création, la metteuse en scène Héloïse Ravet s’approprie cette intrigue universelle, actualisée grâce à la place centrale attribuée à la figure de Jocaste dont la parole est enfin restituée, sous les traits de Christina. Au centre d’une scénographie qui évoque à la fois le théâtre de tréteaux et les arènes de corrida, quatre excellents comédiens et comédiennes déploient un registre extrêmement physique et varié.

Yann était un grand magicien. Et puis, un beau jour, il a voulu réaliser le tour de trop : « La Grande Disparition »… Et il a raté son coup. Depuis, rien n’est plus comme avant. Ses petits numéros sont devenus désuets et sa fille, Louison, en connait par cœur toutes les ficelles. Pourtant, il en reste un qu’elle n’a jamais réussi à comprendre jusqu’au bout : c’était quoi, cette histoire de disparition ? Elle a beau essayer d’en parler avec lui, son père se dérobe toujours, préférant s’enfermer dans sa propre illusion et jouer aux échecs en compagnie d’un étrange personnage, avec qui il passe le plus clair de son temps. Mais Louison n’est pas du genre à lâcher l’affaire : face aux silences de Yann, elle va tout essayer pour le démasquer, par-delà les fêlures qu’il cherche à lui cacher… Après Grou et Foxes, la compagnie Renards/Effet Mer continue de nous émerveiller, avec une nouvelle fiction intime et remplie de tendresse. Dans ce spectacle réparateur et lumineux, elle nous rappelle qu’au fond de nos cœurs sommeille le plus grand des pouvoirs magiques : la richesse de notre imaginaire.

C’est l’histoire de Raskolnikov, un jeune homme révolté, écrasé par la misère. Il est en lutte contre l’injustice, la pauvreté et le peu de perspectives que lui offre le monde. Alors, pour conquérir sa liberté par-delà la morale et au mépris de la loi, il vole et assassine une vieille usurière. Après tout, le monde sera mieux sans elle, et le butin pourra être redistribué… Des figurines en bois, en plâtre ou en résine et des poupées en tissu figurent les personnages principaux. Des bouchons de bouteille sculptés évoquent un bar et des étudiants attablés ; une ampoule nue convoque à elle seule la chambre du héros. La compagnie Karyatides a l’habitude de s’emparer du répertoire classique pour le transformer en théâtre d’objets dont la poésie, le raffinement et la simplicité rendent à merveille l’esprit de l’œuvre et l’univers de leur auteur. En 2022 et 2024, Le Vilar avait déjà accueilli deux de leurs derniers spectacles aux succès internationaux : Frankenstein et Les Misérables, ce dernier comptant plus de 650 représentations !

Quelle trace aimeriez-vous laisser aux archéologues du futur ? Quelle image des hommes et des femmes d’aujourd’hui leur transmettre ? Après le percutant Blockbuster présenté en 2017 au Vilar, le Collectif Mensuel nous invite à participer à la création d’une capsule temporelle sonore, sur un cylindre de cire que l’on pourra réécouter dans 100 ans ou cinq siècles, même sans électricité. Une fois lancé, le dispositif enregistre soixante minutes de son. Pas de montage, pas de retour en arrière possible. Au plateau, des acteurs, bruiteurs et musiciens vont graver la mémoire de celles et ceux qui se sont battus pour un avenir meilleur. Car non, l’humanité tout entière n’a pas conduit le monde à sa perte. Dans un spectacle festif multiforme se succèdent un bout de thriller radiophonique, une épopée slamée, les échos furieux d’un discours de Greta Thunberg… Un feu d’artifice sonore qui résonne comme une ode à la résistance. Depuis ses débuts, le Collectif Mensuel s’est particulièrement investi dans un théâtre de sens, traduisant sur scène des thématiques propres à notre époque. Avec sa nouvelle création tout en humour et légèreté, il nous insuffle l’énergie de réinventer le monde !

Une professeure spécialisée dans le comportement et le langage du rongeur favori des familles nous partage ce soir sa surprenante découverte : un journal intime, écrit de la patte même d’un mignon petit hamster de compagnie, Edward. Mignon ? Vraiment ? Depuis sa condition d’animal captif et malgré le train-train de ses journées banales, Edward exprime dans ses écrits posthumes ses pensées philosophiques, nihilistes et désabusées sur les mystères de la vie et le monde qui l’entoure. Miroir de notre existence, sa cage devient métaphore de la société moderne où routine, enfermement et quête de sens cohabitent. Tiré d’une courte BD anglaise de Miriam Elia, Le Journal d’Edward est une œuvre humoristique et satirique dans laquelle humour noir, cynisme et absurde se mêlent. Sur le plateau, deux espaces – l’un à taille humaine, l’autre à taille de hamster – sont habités par deux comédiennes exceptionnelles, Véronique Dumont et Brigitte Dedry. C’est une évidence : Edward n’est pas seulement un hamster, c’est un état d’esprit !

Aujourd’hui, c’est la finale de la Ligue des Champions, et on va la vivre dans six salons de coiffure, à Kinshasa, Ouagadougou, Douala, Dakar, Abidjan et Bruxelles ! Pour de nombreux hommes africains et afrodescendants, le salon de coiffure est bien plus qu’un simple endroit pour se faire couper les cheveux. C’est un lieu de rassemblement, un espace de confidence où les barbiers endossent la tunique de sage et où le salon se métamorphose en confessionnal. Les tabous disparaissent, et l’exil, l’éducation, les filles, la religion, le football et la politique deviennent autant de sujets de discussion à bâtons rompus. Avec son écriture rythmée, drôle et percutante, Inua Ellams nous plonge dans la diversité des cultures africaines, à travers d’innombrables histoires du quotidien – des plus communes aux plus rocambolesques – et pose son regard éclairé sur les masculinités noires contemporaines. Vive, enjouée et portée par une énergie communicative mêlant musique et envolées lyriques, l’adaptation de Junior Mthombeni et Michael De Cock célèbre la richesse de la diaspora africaine à travers le monde.

Tu vas à une fête, tu te bats, tu tombes amoureux, tu grimpes à son balcon, tu fais l’amour, ton meilleur ami est tué, tu te venges, tu dois fuir, tu retrouves ton amour, elle est morte, tu te tues, elle n’était pas vraiment morte, toi oui, du coup elle meurt, dommage. Mais culte. Certains textes dépassent le théâtre pour devenir une passion. On ne les joue plus, on les célèbre. Éline Schumacher transforme ainsi le chef-d’œuvre de Shakespeare en une célébration explosive, prétexte à l’éclosion d’un nouveau folklore. Redécouvrir Roméo et Juliette à travers ce spectacle au titre volontairement inversé est une façon de continuer d’aimer le théâtre aujourd’hui. L’œuvre de plus de 400 ans apparait ici comme un bien commun fédérateur, un rite collectif partagé entre artistes, spectatrices et spectateurs. La mise en scène honore ouvertement la transmission d’un savoir-faire théâtral brut très ancien. Entre scènes reprises et réinventées, musique live et public complice, la pièce se déploie en fanfare. Le jeu prend furieusement la forme d’une fête immersive où la salle et la scène vibrent ensemble pour glorifier l’amour.

Saisis par la profondeur philosophique insoupçonnée de cette maxime relayée par tradition orale dès l’école maternelle, trois amis décident d’explorer ses échos et implications, à coups de bricolages conceptuels, de protocoles expérimentaux, d’expériences artisanales, de jeux de rôle et de sketchs à tiroirs. Après La Convivialité sur l’orthographe et KEVIN qui traitait des inégalités sociales à l’école, Arnaud Hoedt et Jérôme Piron sont de retour avec leur nouvelle création. Accompagnés sur scène de leur collaborateur de longue date Antoine Defoort, nos ex-profs préférés s’attaquent cette fois à nos difficultés à faire cohabiter des idées ou des valeurs divergentes dans l’espace du débat contemporain. S’appuyant sur des recherches scientifiques et grâce à l’interactivité offerte par nos smartphones, ils tenteront de nous mettre face à l’incohérence et à la versatilité de nos opinions. L’ambition n’étant pas de réconcilier tout le monde, mais d’examiner les conditions d’un désaccord apaisé.

L’an 1234, tout baigne au royaume d’Ambroisie. Au plus haut sommet de la plus petite colline, s’élève un château très fort que rien ne peut ébranler… à part peut-être un pet de mouche. Ah ! Le Moyen-Âge, ses chevaliers, ses dragons, ses joutes… Dans l’imaginaire collectif, il représente un monde dans lequel les courageux chevaliers brandissent l’épée et deviennent des rois victorieux. Mais que se passe-t-il lorsque les protagonistes fuient face au moindre danger ? C’est ce qu’on va découvrir à travers le quotidien banal de Victor et Victoire, les lâches gardiens d’un château fort… en carton ! Convaincus que le comique doit être pris au sérieux, Amber Kemp et Antoine Minne réussissent la prouesse de nous faire hurler de rire tout en tendant un miroir à nos petites bassesses et à notre monde loin d’être parfait. Pour la cinquième année consécutive, nous collaborons avec onze lieux de culture du Brabant wallon pour présenter une création du Vilar aux quatre coins de la province.

Dans un RER bondé, un matin ordinaire, un bébé pleure dans les bras de sa maman. À cause de la fatigue, de sa solitude, ou peut-être de son grand dénuement, celle-ci tend son enfant au jeune homme qui se tient à côté d’elle et qui lui propose son aide pour descendre sa poussette sur le quai. Mais, au moment où les portes du train se referment, elle remonte dans la rame et disparait, laissant son nourrisson dans les bras du jeune homme interloqué. Catherine Benhamou signe un texte à la fois émouvant et percutant, librement inspiré d’un fait divers. Nous l’avons découvert grâce au comité de lecture La Liseuse que nous partageons avec le Rideau à Bruxelles. Ce fut un coup de cœur absolu et nous avons décidé de le porter à la scène. La rencontre entre Marie-Paule Kumps à la mise en scène et Mehdi Zekhnini à l’interprétation a fait le reste. 5 Secondes dresse le portrait de deux jeunes adultes sur le fil. Deux individus à qui on n’a pas dit qu’ils renfermaient des trésors. Un bijou de tendresse qui vous cueille à l’endroit du cœur.

Un village du sud de l’Italie. Maria s’empare du pistolet Smith & Wesson 9 mm dans le buffet de la cuisine. Elle quitte la maison, l’arme à la main. Elle se rend chez Angelo le Couillon, le jeune homme qui lui a fait violence la veille. Le village prend sa suite, finissant par former un cortège bigarré. Chacun y va de son anecdote sur la jeune fille, livrant tour à tour chaque pan de sa vie. Il y a ceux qui l’encouragent, ceux qui veulent la dissuader, mais rien ni personne ne pourra l’arrêter. Dans cette fable, Félix Vannoorenberghe incarne avec brio tous les personnages pour raconter la révolte de Maria et la prise de conscience collective de tout un village. Pour donner vie à ce western moderne, il est accompagné de la musicienne Florence Sauveur, dans une scénographie récompensée par le Prix Maeterlinck de la Critique en 2023.

Douglas Mawson, trente ans, chômeur bruxellois habitué d’un bar de la place Rouppe, étouffe dans une vie sans perspective. Un jour, il apprend l’existence possible d’un village jamais découvert au cœur de l’Antarctique. Sans préparation, porté par un mélange d’espoir et de naïveté, il décide de partir à sa recherche. Il rassemble alors une équipe improbable rencontrée au café : une vieille pianiste arthritique, une femme à la force surhumaine et un philosophe taiseux capable de guérir les âmes. Ensemble, ils quittent Bruxelles pour une expédition aussi palpitante que dangereuse. Mais ils ne sont peut-être pas les seuls à chercher ce village perdu… À travers les codes du roman d’aventures, Le Groupe de l’Ouest lointain raconte une odyssée loufoque où le froid, la faim et les crevasses menacent à chaque instant. Entre comédie absurde et récit d’exploration, la pièce interroge le besoin d’aventure d’une génération coincée entre précarité, bureaucratie et perte de repères. Car si leur quête parait insensée, elle pose une question simple : faut-il réussir pour que le voyage ait un sens ? Le Groupe de l’Ouest lointain est la première pièce de Merlin Vervaet, jeune auteur namurois, à être publiée aux éditions Lansman. Récompensé par deux prix littéraires, ce texte nous a, nous aussi, immédiatement séduits et c’est avec joie que nous nous sommes lancés dans sa création.