Théâtre Jean Vilar

Déclin du jour, fin d’un père : temps suspendu. Trois filles et leur mère s’interpellent, tentent parfois de se comprendre, réfléchissent à leur récente expérience de vie. Fox, invisible au milieu d’elles, miroir et seconde conscience, comment, réajuste leurs propos. Présenté par le Théâtre de l’Atelier. Création en langue française. Accueil en exclusivité.

Un monde où aucune frontière ne sépare plus le vrai du faux, le dedans du dehors, où Strindberg recherche, avec les deux enfants incendiaires, « le paradis des ‘grandes vacances’ où les parents étaient encore sans tache » … Reprise de la production de l’Atelier Théâtre de Louvain-la-Neuve.

D’où vient ce personnage si follement désireux de noblesse, si avide de se décrasser de sa roture originelle, comique par ses efforts de se travestir en ce qu’il ne sera jamais ? Comme à la création de la pièce, chacun aujourd’hui croira y trouver son voisin peint au naturel… Une pièce où la satire sociale se mêle à la fête de la musique et de la danse. Où Molière montre qu’il peut unir la force et la grâce. Création de l’Atelier Théâtral de Louvain-la-Neuve. En coproduction avec le Théâtre Royal de la Monnaie.

Funambule du verbe, acrobate du style, Queneau s’amuse avec les mots. A partir d’une anecdote banale, il compose une variation dramatique-humoristique-poétique-farfelue. Histoire courte et dérisoire racontée de 99 façons différentes et jouée à mourir de rire. Une production du Théâtre de l’œuvre.

Zizi Jeanmaire n’a pas froid à ses grands yeux dévorants. Elle assure avec panache un vrai tour de chant, une vingtaine de chansons agencées et mises en scène par Roland Petit. Cinq musiciens conduits par Maurice Vander. Un danseur… Elle a toujours surpris et elle surprend encore. Co-production Théâtre des Bouffes du Nord, Atelier théâtral de Louvain-la-Neuve, Théâtre de la Criée, Maison de la Culture de Loire-Atlantique et la Sept.

A partir de l’histoire de l’un des fondateurs de la physique moderne (un « héros » de la science, complexe, contradictoire, ambigu), Brecht s’interroge, au début de l’âge atomique, sur la responsabilité de l’intellectuel. Une œuvre à la fois profondément critique et poétique. Coproduction théâtre de l’Echappée – Théâtre de la place.

L’on célèbre cette année le tricentenaire de la naissance de Marivaux. Peu argenté, il se consacra à la littérature. Il fut reçu à l’Académie Française, en 1743, de préférence à Voltaire. Les confrères hostiles ne lui manquaient pas : maintes cabales furent ourdies pour amener la chute des comédies, si bien que parfois il n’avouait être l’auteur de la pièce qu’après les premières représentations. Une production du Théâtre de l’Atelier.

Harpagon est éperdument amoureux de son argent. Pour n’avoir pas à payer de dot, il envisage de marier sa fille, Elise, au seigneur Anselme, « un homme mûr, qui n’a pas plus de cinquante ans » et est prêt à se contenter de sa jeunesse. Lui-même a recours à Frosine pour qu’elle l’arrange au mieux, c’est-à-dire sans dépense, son propre mariage avec la jeune Mariane qui a pour qualité, outre sa jeunesse, de n’avoir pas de grands besoins. Quant à son fils, Cléante, il projette de lui faire épouser une veuve bien nantie. Mais sa véritable passion ce sont ses écus. Ceux-là dorment dans une cassette enfouie dans le jardin, « car les coffres-forts sont suspects ». Tout serait bien pour le vieil homme si Cléante et Mariane n’étaient pas épris l’un de l’autre, si Elise ne jurait pas que par Valère, le jeune intendant, et surtout s’il ne vivait pas dans l’éternelle angoisse du vol et si sa précieuse cassette ne disparaissait pas mystérieusement… Production du Théâtre de L’Atelier.

Pirandello : un écorché vif à qui l’art et l’humour ont seuls permis de vivre et qui, tel un de ses personnages, « riait comme un escargot sur le feu ». Une coproduction Atelier Théâtral de Louvain-la-Neuve – Théâtre de l’Atelier.

Dans « La mouette », nous vivons l’idéalisme tragique du poète passionné et sincère, en l’occurrence Treplev, qui se heurte et finalement s’écrase contre la stupidité et l’incompréhension de son milieu ambiant. Reprise de la production de l’Atelier Théâtral de Louvain-la-Neuve.

Du gospel au tango, de Brecht à Calvino, de l’Allemagne au Japon, du cinéma à l’opéra, Milva la femme-orchestre-caméléon brille de Toujours plus de facettes. Deux semaines durant – et pour notre plus grand plaisir -, elle chantera au Théâtre Jean Vilar son célèbre récital Brecht (extraits de l’Opéra de Quat’Sous, de Mahagonny, etc…).

Pièce singulièrement amère, malgré, peut-être à cause de la gaieté qui, par moments, l’emporte. Au centre, Argan, bourré de médecines et de lavements ; sa vie est scandée par des trottinements précipités, bâton à la main, de son fauteuil à sa « chaise d’affaires ». De là un comique, pas trop délicat, mais d’efficacité éprouvée. Si Argan n’était que ridicule ! Mais sa passion des soins médicaux est une forme désespérée de la terreur de la mort ; elle va donc jusqu’aux extrémités les plus odieuses de l’égoïsme. De l’idée fixe d’Argan vivent des parasites : médecins, apothicaires, héritier et notaire… Une production du Théâtre de l’Atelier.

Elle est là. Elle est là, sa petite idée… Pourquoi « petite » d’ailleurs ? Une idée est là, Blottie dans sa tête. Son idée… qui vit, qui prospère… Ne faut-il pas que je la détruise avant qu’elle happe, enserre, écrase la mienne ? Rien n’est plus dangereux qu’une idée qui se faufile dans les méandres du cerveau. L’usage de la parole, et en particulier de quelques expressions passe-partout, telles que « et pourquoi pas ? », « ne me parlez pas de ça », « eh bien quoi… » , des paroles apparemment sans couleur, et pourtant riches, si on les examine de près, en potentialités insoupçonnées. Rien de plus étonnant que les remous (même légers), que les ondulations (même brèves) qu’elles peuvent produire chez ceux dans lesquels elles vont, très tranquillement, se poser. Une production du Théâtre de l’Atelier.

Jean Cocteau : ce nom seul suffit à déclencher dans notre mémoire le défilé brillant des personnages mythiques que le poète à su y graver. Surgissent en nous les images de Thomas l’imposteur, Dargelos, Orphée, Heurtebise, la Belle et la Bête, Tristan et Yseult, et tant d’autres, si proches, si vrais, si vivants : éternels. C’est à une promenade à travers cette œuvre que ce spectacle nous convie, aux retrouvailles avec un Cocteau connu, le magicien du verbe. Mais aux figures de l’œuvre se mêlent celles de la vie, les compagnons de route, phares artistiques de cette époque, les Picasse, Satie, Radiguet, Stravinski, Genet, Max Jacob, Colette… Ainsi se dessine un Cocteau inattendu, drôle et profond, gai et déchiré, sans masque, le Cocteau qui s’écrie : « L’œuvre d’un homme doit être assez forte pour qu’on puisse lever le rideau sur ses coulisses. L’impudeur, c’est notre héroïsme à nous ». Production du Théâtre de l’Atelier.    

Dans « La mouette », nous vivons l’idéalisme tragique du poète passionné et sincère, en l’occurrence Treplev, qui se heurte et finalement s’écrase contre la stupidité et l’incompréhension de son milieu ambiant. Reprise de la production de l’Atelier Théâtral de Louvain-la-Neuve.

« Ariane ou l’âge d’or », c’est le second spectacle en solitaire de Philippe Caubère. Dans le premier, « La danse du diable », il évoquait son enfance à travers sa mère, un personnage pittoresque et haut en couleur. Ici, on retrouve son héros autobiographique, devenu adulte, qui fait l’apprentissage de la vie et du métier de comédien à travers l’épopée d’une compagnie théâtrale unique en son genre et témoin de toute une époque : le Théâtre du Soleil, créé et dirigé par Ariane Mnouchkine depuis 1964. Ceux qui connaissent de près ou de loin le Théâtre du Soleil ne se priveront pas de quelques plaisirs, mettront sans mal des noms sous les prénoms. Mais ces clés ne ferment en rien les portes d’un spectacle qui sera pour tous émouvant, comique, caustique et tendre. Une production du Théâtre du Soleil.

Un vaudeville de Feydeau dormait dans un tiroir, écrit à 22 ans et un peu oublié. Un metteur en scène, Bernard Murat, s’en empare, un complice, Jean Poiret, prête sa plume, un comédien, Pierre Arditi, entouré d’une distribution tonique, le stimule avec une énergie déconcertante, et voilà des rires en rafale ! Une production du Théâtre des Bouffes Parisiens.

Sol travaille seul, silhouette de clown, petite fleur épinglée sur un rideau noir en forme de néant… Ses accessoires : un maquillage, un chapeau, un grand manteau rapiécé. Mais si le clown traditionnel, c’est avant tout le geste, le gag en cascade avec ce que ça comporte d’acrobatie, de jonglerie, avec Sol tout se passe dans la tête et ça donne du verbe : Sol verbalise. Insufflant au langage une vie nouvelle, il cherche dans les mots leur sens caché, les brise, les entrechoque, les dissèque, les percute, les projette les uns contre les autres. Les idées les plus simples sont prétexte à escalade, les mots rapiécés, truffés de syllabes parasites créent le vertige… Soudain ils semblent acquérir leur vie propre, dans un extraordinaire foisonnement qui échappe au rationnel, le dépasse, exprime ce qu’on voulait taire…

Sur cette institution-mouroir où les « patients » invisibles ne sont connus que par des numéros matricules, règne Roote, un ancien militaire qui a l’âge mental d’un gamin et la violence dictatoriale d’un Ayatollah alcoolique. Il est au sommet d’une pyramide bureaucratique, totalitaire et imbécile… et tous les cadres sous ses ordres rivalisent avec lui de démence, d’incimpétence, de mesquinerie et d’ambition. Leurs rapports se définissent par une multitude de mini-conflits à la fois terrifiants de bêtise et vertigineux de drôlerie. On est dans un microcosme fermé, où des pantins dérisoires s’affrontent avec un humour kafkaïen. Big Brother n’est pas loin, avec les rouages grinçants d’une hiérarchie invisible et doucereusement implacable, avec toutes les tentations de la dictature fonctionnarisée, les perversions sadomasochistes, les dominés et les dominants, les victimes et les bourreaux. Hot-house fait redécouvrir le Pinter des débuts, nourri par une énergie rare, comme dans Le Retour, et un mélange d’indignation et de jubilation devant la folie du monde. Prudence : on rit, et souvent et fort, mais on rit au-dessus d’un précipice. Une production du Théâtre de l’Atelier.

L’atmosphère du drame d’Eschyle est à la fois grandiose et désespérée. Nous sortons à peine, à l’aube de ce drame, des temps primordiaux : Zeus a récemment renversé la tyrannie de Cronos et des Titans, et pris le pouvoir. Nous sommes dans une région désertique de la Scythie sur les flancs d’une montagne non loin de la mer. Prométhée, étroitement surveillé par Pouvoir et Force, est conduit au châtiment : coupable d’avoir ravi le feu céleste et d’en avoir enseigné l’usage aux mortels, il est enchaîné sur l’ordre de Zeus, sans espoir de délivrance ou d’évasion, à un rocher perdu aux confins du monde, et abandonné. Une coproduction du Théâtre de la Liberté et du Théâtre de l’Athénée et de l’Atelier Théâtral de Louvain-la-Neuve.

Faust a entrepris de rédiger – en le dictant à sa secrétaire Lust – un ouvrage, moitié traité, moitié mémoires, le livre définitif qui, à travers ses propres souvenirs et réflexions, contiendra en puissance l’expérience, les découvertes et les désillusions de toute l’humanité. Méphistophélès survient, appelé par le secret désir de Faust. Faust lui confie son projet, auquel il rêve de l’associer. Il lui fait comprendre sa perte de crédit de pouvoir sur les hommes d’aujourd’hui. Il lui avoue enfin son besoin d’une présence douce et complaisante – la tendresse, tout court ; « point d’amour : je sais trop qu’il s’achève en ruine, un dégoût, en désastre ». Une production de l’Atelier Théâtral de Louvain-la-Neuve.

Que Descartes et Pascal ait vécu au même siècle, nul ne l’ignore. Mais qu’ils se soient connus et rencontrés, mis à part quelques érudits, bien peu le savent. Il y avait entre eux plus d’un quart de siècle de différence et peu de sympathie philosophique. Et pourtant, le 24 septembre 1647, dans un couvent des Minimes, près de la place Royale, Descartes et Pascal ont passé tout un jour à causer à huis-clos. Une rencontre sans lendemain, et dont l’objet, bien entendu, nous demeure inconnu. Jean-Claude Brisville s’est risqué à imaginer leur dialogue. Une production du Théâtre de l’Europe

La scène se passe sur une scène. Un auteur est en train d’écrire la pièce que nous allons voir. Donc, ce n’est pas un auteur, mais un acteur. Ce n’est peut-être ni l’auteur, ni l’acteur, mais le personnage de la pièce… Toujours est-il que monsieur lit ce qu’il joue et joue ce qu’il lit. Arrive le régisseur, ou le personnage du régisseur). Les deux hommes dialogues et imposent une situation improbable (qui est qui, qui fait quoi ?), improbable, mais drôle. L’ambiguïté des identités se complique lorsque arrive Suzanne. Suzanne est une femme ou… une comédienne… Bref. Une production de la Comédie des Champs-Elysées.

L’homme est assis, très droit, dans un fauteuil sombre. Il porte une robe de chambre grise. Il soliloque. Pour se tenir compagnie, il en invente un autre, il s’invente autre, se dédouble, se détriple, « comme l’enfant solitaire qui se met en plusieurs, deux, trois, pour être ensemble et parler ensemble dans la nuit ». Il imagine : un être couché sur le dos dans le noir, une voix qui lui parle, qui lui égrène un passé, des souvenirs d’enfance, son présent, peut-être son futur, ce qu’il lui reste à parcourir pour achever d’accomplir sa parabole d’humain sur la terre ; au moment du noir qui gagne, de la lumière qui meurt, des images éblouissantes du passé refluent, images de vie, d’amour, d’enfance blessée, de naissance. Une production de la compagnie Renaud- Barrault

Un couple à la veille de ses noces d’argent : voici un quart de siècle qu’Alice et le Capitaine mutuellement se tourmentent. Ils se sont usés peu à peu : l’ironie méchante qui imprègne leur dialogue a quelque chose de naturel, de quotidien, elle ne monte même pas jusqu’à la colère. La demeure qui leur a été assignée (le capitaine a été envoyé en garnison dans une île), une vieille tour qui a servi autrefois de prison, fournit le décor exactement approprié à leur querelle : un champ-clos dont ils ne sortiront pas. Une production du Théâtre de l’Atelier

La cité radieuse est l’adaptation pour la scène d’un feuilleton RTBF diffusé il y a quelques années dans le magazine Radio Titanic. Il y eut une soixantaine d’épisodes en deux ans avant qu’on ne songe à en faire un spectacle pour le théâtre, avec les mêmes personnages. Succès fou à Liège, présentation en Avignon, tournées… C’est donc un spectacle qui nous vient de Liège, co-production du Théâtre de la Place et de la RTBF-Liège, spectacle né et mûri dans un contexte et dans un esprit scientifiquement liégeois, comédiens issus pour la plupart du Conservatoire de Liège et formant le noyau du théâtre expérimental du Groupov. Une coproduction Théâtre de la Place – RTBF Liège

Sur la piste du Théâtre Jean Vilar, épinglé par la lumière sur le rideau noir, sans accessoires, bateleur ou bouffon ?, il va il vient. Alternant les sketches et les commentaires de l’actualité, la galerie de portraits et les improvisations, il nous révèle ses faiblesses et ses contradictions les plus intimes, les nôtres aussi. Il démasque comme douteux ce qui passe pour être le plus intangible, expose à la risée les évidences, et trouve ses raisons dans les absurdités. Il met en scène l’univers entier, sarcastique, corrosif, percutant. A ce jeu-là, pas le temps de ramasser les blessés.

C’est l’histoire d’une vieille amitié qui se devait de se transformer en complicité. Luc Béraud, cinéaste, tombe amoureux d’une pièce. Jean-Michel Ribes qui, lui aussi, fait du cinéma et de la télévision, anime avec Michel Berto une Compagnie dont la vocation est de faire des créations de pièces contemporaines. La pièce c’était « True west » ; elle est devenue « L’ouest, le vrai ». L’auteur, un certain Sam Shepard, pratiquement inconnu en Europe. Pendant les deux années qu’à pris la mise sur pied du spectacle, il est devenu la star de cinéma, le scénariste à la mode, le cow-boy de charme. Puis sont arrivés, naturellement attirés par cette aventure qu’ils sentaient leur, deux grands acteurs fauves, Richard Bohringer et Roland Blanche. Michel Berto et Josine Comellas sont venus les rejoindre dans cet ouest véritable où avec Shepard ils disent la dérive du monde. Une production de la compagnie Berto-Ribes

Jeunes bourgeois, cocottes, haute noblesse et royauté, fonctionnaires, cloches et laquais, tous les personnages d’ « occupe-toi d’Amélie » sont les éternels dindons d’une farce où la gaieté des cérémonies, poursuites et gags cache mal une vision implacable de la créature humaine. « Feydeau a renouvelé le théâtre comique. Il a crée la mécanique du rire. Il y a chez lui une violence comique, un certain délire, une invention, une sorte de fantaisie fantastique et burlesque, une absurdité grandiose, un dialogue, un mouvement qu’on ne trouve nulle part ailleurs (…) » Une production de l’Atelier Théâtral de Louvain-la-Neuve

Les grands solitaires portent en eux toute une génération de refus qui peuplent leur cabinet de travail et, quand ils méditent, ils ne retournent pas dans le siècle. Dans le refus on dresse l’oreille, on ouvre l’œil et on reste dans le refus. C’est dans la négation que l’œuvre d’art s’engendre. Nier les couleurs, mettre du mauve dans ce qui ne paraît pas mauve et s’appeler Gauguin, voilà qui est du refus transmis. L’art. La liberté est un renoncement. La liberté s’apprend dans une pièce carrée, fermée. C’est de la pure négation. Si quelques fous n’avaient pas dit « non », contre toute évidence, depuis que nous roulons sous les saisons, nous serions encore dans nos arbres. L’évidence, c’est la seule préoccupation du pouvoir. Le soleil se lève à l’est, pas vrai ? Vous autres de l’affirmative, vous ne m’intéressez pas. Moi, je suis contre.

Une production de l’Atelier Théâtral de Louvain-la-Neuve. La première de ce spectacle a eu lieu le 5 février 1986. Le misanthrope, ou l’impossibilité d’accorder deux êtres que le désir rapproche, mais que tout le reste éloigne l’un de l’autre, dont les valeurs divergent radicalement, même si une fascination réciproque les attire l’un vers l’autre… Armand Delcampe nous en donne une vision admirable de lucidité et de maturité. Ce travail fait honneur au théâtre de notre pays.

Abécédaire d’un pays excentrique et génial Dans un décor et des costumes qui arborent les couleurs nationales, trois comédiens se renvoient la balle, pour décrire différentes facettes de la Belgique. Un lexique farfelu qui défile telle une collection de perles noires, jaunes, rouges pour construire au final notre identité bigarrée. Patrick Roegiers – par ses talents d’écrivain teintés de surréalisme – distille anecdotes savoureuses, jongle avec les belgicismes, évoque la dentelle, le cuistax, Eddy Merckx, la plage à Knokke et les « pistolets » de son enfance. Avec une jubilation contagieuse, les comédiens virevoltent à travers les courtes séquences. L’impact comique est immédiat car la langue belge est une langue de sons. Elle carillonne à nos oreilles, par onomatopées : doef, vleg, maf!, tof, peï, cru, zot, ces expressions improbables qui disent tout en un mot. C’est drôle, tendre, craquant comme un spéculoos et moelleux comme une couque… Patrick Roegiers est belge. Il a écrit Le Mal du pays, autobiographie de la Belgique en 2003, alors qu’il vit en France depuis 20 ans. A l’occasion de la mort de mon père (ndlr : en 2001), tout m’est peu à peu revenu en mémoire. Mon enfance, la côte belge, l’accent, le vent, les babelutes, les croquettes aux crevettes, la Saint-Nicolas, Eddy Merckx, Magritte, Spilliaert. Bien sûr, je n’avais rien oublié. Tout cela dormait en moi. Et c’est remonté en surface comme une formidable bouffée de bonheur et d’inconscience. Je me suis mis à écrire par bribes, en désordre, avec une intense jubilation, un abécédaire imaginaire sur ce pays perdu. En un mot, c’est tof ! (Le Soir, avril 2009) Une production de la Comédie Claude Volter.

Bouchées littéraires pour fins gourmets Ce soir, nous sommes conviés à une promenade à travers l’œuvre de Cocteau. Une fresque qui conjugue l’intime et les allusions aux figures marquantes, compagnons de route de l’auteur, tels Picasso, Satie, Stravinsky, Colette… En 1983, Jean Marais et Jean-Luc Tardieu mettent au point un montage de textes de Cocteau, distillant des fragments de poèmes, lettres, romans, films, journaux, avec humour et tendresse. Un hommage au touche-à-tout de génie, mentor et amant de Marais. Le temps passe, Tardieu n’oublie pas le vœu de Marais Il faudra que ce texte vive hors de moi. Tu n’auras qu’à retirer mon nom… Et un quart de siècle plus tard, Jacques Sereys reprend le rôle de Marais pour entraîner le public dans un dédale artistique, miroir d’une époque et d’une existence troubles. Une levée de voile sur un Cocteau insaisissable, à la fois inspiré et tourmenté, drogué de travail et d’opium, qui se révèlera dans La Difficulté d’être : Je me cherchais, je croyais me connaître, je me perdais de vue, je courais à ma poursuite, je me retrouvais hors d’haleine. À peine subissais-je un charme que je me dressais à le contredire. Jacques Sereys, éminent sociétaire de la Comédie-Française au délicieux talent de diseur, revient à l’Atelier Théâtre Jean Vilar après Du côté de chez Proust (2007) et Au Soleil de Daudet (2008). Une nouvelle percée tout en finesse dans la littérature, guidée par un amoureux des oeuvres. Acte2 présente une coréalisation de la Comédie-Française et du CADO.

Un stand-up 100% tout neuf Après avoir tout déballé, on le croyait apaisé… C’était sans compter sur la folie de notre persifleur doux-amer qui joue des maux de notre époque. Pour son septième one-man-show, Richard Ruben, en pleine crise de la quarantaine, se sent investi d’une mission : Sachant qu’il ne me reste plus que 14000 jours à vivre (si tout va bien !), que puis-je faire pour sauver la planète ? Du réchauffement climatique aux glaciations politiques d’un monde tombé dans le marasme, Richard éructe sa rage géopolitique dans un stand-up désespérément comique. Du docteur Folamour iranien au conflit du Moche orient, Ruben dresse un état des lieux hilarant de notre société en pleine mutation. Est-il trop tard pour réagir ? Est-ce Yann Arthus-Bertrand, le bio, le Viagra, Obama… ou nous-même qui détenons la clé de notre destin ? Ruben refait le monde… comme on offre une tournée générale ! Alors santé ! Une coproduction de l’Atelier Théâtre Jean Vilar, du Festival de Théâtre de Spa et de Sam’va Production.

Le destin brisé d’un géant de lumière Orson Welles termine, le lendemain de ce qui sera son dernier anniversaire, un enregistrement publicitaire dans un studio pourri d’Hollywood. On découvre las et fragile l’homme aux brillantes audaces et aux échecs fracassants, réalisateur et acteur génial de Citizen Kane. Hollywood l’a adoré et maudit, ce roi déchu et meurtri. Il cherche (encore ou toujours) les moyens de boucler son dernier film, Don Quichotte, et espère l’appui d’un certain Steven Spielberg. Tel son héros, l’acteur semble le défenseur d’une chevalerie d’un autre temps et s’aperçoit avec amertume qu’il lutte contre des moulins à vent. Orson Welles est une manière de géant au regard enfantin, un arbre bourré d’oiseaux et d’ombre, un chien qui a cassé sa chaîne et se couche dans les plates-bandes, un paresseux actif, un fou sage, une solitude entourée de monde, un étudiant qui dort en classe, un stratège qui fait semblant d’être ivre quand il veut qu’on lui foute la paix. Jean Cocteau Une production de l’Atelier Théâtre Jean Vilar. Obediently yours, Orson Welles est représentée dans les pays de langue française par Dominique Christophe / l’Agence, Paris en accord avec The Marton Agency, New York. En collaboration avec le Centre Culturel d’Ottignies-Louvain-la-Neuve – www.poleculturel.be

Parcours d’un quinqua véner ! Le nouveau Coppens est arrivé Après Bain Zen accueilli en 2005 et Ma Terre happy ! créé en 2007, Bruno Coppens nous fait l’honneur de présenter en primeur son spectacle flambant neuf sur les planches du Théâtre Jean Vilar ! Pour fêter ses 50 boogies, Bruno Coppens a concocté un spectacle rock n’roll ! Alors entrez dans le délire verbal et la folie visuelle d’une mise en scène déjantée. Vous croiserez un logopède plus atteint que son patient, la fille de chez Tom-Tom GO aux prises avec son hidalgo, Roméo déclarant sa flamme à… Gillette ainsi qu’un barman qui fera office de coiffeur, pianiste, coach, relooker, bouc émissaire et complice… Le départ de ce spectacle ? Quand une fille de 20 ans vous assassine d’une phrase: « Ma mère aime beaucoup ce que vous faites ! »… Lorsqu’en parlant avec vos propres enfants, vous sentez que vous vivez en plein décalage horreur… Lorsque vous ne maîtrisez même pas l’option dictionnaire de votre GSM… Y’a de quoi être vénér ! Bruno EST vénér ! Alors il va réagir ! Il va tour à tour se faire relooker de haut en bas, tester pour vous l’épilation intégrale, rêver de finir ses jours en Suisse, réclamer une Wallonie libre et découvrir le secret de la jeunesse éternelle ! Entre chanson à message chantalgoyesque et boogie rendant hommage aux bourrelets, entre une bossa langoureuse et une vraie chanson d’amour, découvrez de nouvelles facettes de cet humoriste qui allie ironie et tendresse, dérision et franc parler… Bruno, vous pensiez le connaître ? Il va vous surprendre, c’est sûr ! Une production de l’Atelier Théâtre Jean Vilar et de la sprl Exquis Mots. Avec l’aide du Centre Culturel Régional Action Sud et de la maison de la culture de Tournai.

Un solo de haut vol pour un périple nocturne Paris, 1943. Martin trimballe des colis au marché noir pour arrondir ses fins de mois. Grandgil, un peintre qui s’ennuie lui vient en aide. Les deux compères entreprennent de traverser de nuit le Paris de l’Occupation, flanqués d’un cochon découpé en morceaux dans des valises… Seul en scène, Francis Huster joue l’acrobate en campant tous les personnages. Martin et Grandgil, mais aussi les autres, rencontrés lors du périple nocturne : commerçants, policiers, tenanciers de bar… Ni costumes, ni grimages pour cette prouesse, l’inflexion de la voix et le changement d’attitude suffisent. Arrivez bien à l’heure… sous forme de confidence, l’acteur s’adresse au public pour livrer la genèse du spectacle et honorer Marcel Aymé. Un préambule à ne pas manquer ! Certains rôles sur les planches ont rendu Francis Huster inoubliable : dans Lorenzaccio de Musset, Hamlet de Shakespeare, Le Sablier de Nina Companeez, Le Cid de Corneille (accueilli en 1993 par l’Atelier Théâtre Jean Vilar), La Peste de Camus, Crime et châtiment de Dostoïevski… En parallèle, sa carrière au cinéma le fait accéder à une notoriété, que renforce encore la télévision. Nous sommes touchés et honorés qu’il ait choisi de passer le cap de l’an 2011 en notre compagnie ! Avec sincérité, générosité et talent, Francis Huster rend à Marcel Aymé sa place au panthéon des grands auteurs. (Pariscope) Francis Huster est dense, intense, incandescent. (L’Express) L’Atelier Théâtre Actuel présente un spectacle du Théâtre des Bouffes Parisiens. Le texte de « Traversée de Paris » est composé de la nouvelle « Traversée de Paris » issue du recueil « Le Vin de Paris » de Marcel Aymé © Editions Gallimard, 1947 et de quelques emprunts au roman du même auteur « Le Chemin des écoliers »  © Editions Gallimard, 1946.

Une escroquerie immobilière rocambolesque Monsieur Le Trouhadec, géographe membre du Collège de France, rêve d’être élu à l’Institut. Hélas, une bourde commise dix ans plus tôt l’en empêche… Dans son ouvrage sur la géographie de l’Amérique du Sud, il a décrit avec verve la ville de Donogoo, sa région, ses ressources, ses sables aurifères… Mais cette cité est introuvable sur la carte ! Lamendin, architecte raté mais escroc futé lui propose, pour permettre son élection, de fonder Donogoo… Les actionnaires se laissent convaincre. Du monde entier, des hommes, victimes de la publicité, convergent vers cette métropole aussi merveilleuse qu’imaginaire. J’ai été séduit dans cette œuvre par l’alliance totalement réussie, entre la « comédie » et le « sociologique ». Voici ce qui, je crois, nous concerne dans ce texte aujourd’hui encore, et que le metteur en scène que je suis aimerait souligner : le pouvoir de la finance, mais aussi l’importance de la « communication », les contradictions humaines, et surtout, à travers le personnage de Lamendin, le mythe séduisant de la réussite qui ne s’embarrasse pas de morale. Il est, après plus d’un demi-siècle, plus que jamais notre contemporain. (…) Jean-Paul Tribout Comédien et metteur en scène, Jean-Paul Tribout est, pendant près de dix ans, l’un des principaux interprètes de la célèbre série des Brigades du Tigre. Son personnage de l’Inspecteur Gustave Pujol a rendu son visage familier aux spectateurs de 22 pays. Scène et Public – Pierre Beffeyte présente une coproduction de Sea Art et du Théâtre 14. Avec le soutien de l’Adami.

La violence n’est que le hurlement d’une tendresse blessée à vif (Louis Herland) Horace, première des grandes tragédies « régulières » de Corneille est inspirée d’une légende romaine. Rome et Albe sont deux cités voisines en guerre. Horace, noble romain est fiancé à l’albaine Sabine. Curiace, le frère de Sabine aime Camille, la sœur d’Horace. Mais parce que la guerre n’écoute personne et surtout pas les élans du cœur, elle appelle au front les deux hommes, déchirés entre devoir et passion. Malgré toutes les tentatives d’apaisement des femmes, les combats ont lieu… La mise en scène de Naidra Ayadi illustre parfaitement le propos de Serge Doubrovsky : Le signe de la tragédie véritable est de ne pas porter de date. En effet, c’est Corneille qui est joué, sans nulle égratignure au texte, mais l’action se déroule devant un mur des lamentations évoquant les combats fratricides actuels, témoin de la douleur des peuples qui reste la même à travers les siècles. Une mise en scène qui fait entendre de manière forte les voix des deux femmes. Une très belle et jeune distribution multiculturelle* qui prend le texte à bras le corps avec sincérité, énergie et conviction. Réjouissant ! * « Multiculturelle » s’entend ici sans renoncement, sans populisme, sans réduction ! Une distribution de jeunes comédiens d’origines différentes et maîtrisant l’alexandrin, qu’ils restituent avec beaucoup de naturel, sans que ce soit au détriment du rythme. (AFP, mai 2009) Une coproduction de l’Alter-Native et du Théâtre de la Tempête. Avec le soutien du Conseil Général des Yvelines, de l’Adami, et la participation du Jeune Théâtre National.

« Si vous trouvez que l’Education coûte trop cher, essayez l’Ignorance » (Abraham Lincoln) Le propre de l’homme ? Le rire bien entendu ! Enfoncés dans notre siège, confortés dans notre certitude, nous découvrons bien vite toute l’étendue de notre erreur… Face à nous, Jules Spindonègre, professeur de français passionné, expérimenté et excellent pédagogue, est chargé d’instruire les générations futures. Alors quand il nous certifie que le propre de l’homme, c’est le langage, il sait de quoi il parle… Nous voici projetés quelques belles années en arrière, assis sur les bancs de l’école, buvant les paroles d’un prof dont l’enseignement restera à jamais gravé dans nos mémoires. Car il est devant nous, ce professeur qui nous a marqué pour toujours, celui que tous nous avons connu et que Jacques Viala incarne à merveille. Ses élèves, il les a aimés, il le confesse aujourd’hui, lors de sa dernière heure de cours. Il lui reste 50 minutes pour armer sa classe de connaissances, 50 minutes pour tout donner, c’est trop peu, tout juste le temps d’aborder de manière toute personnelle la question essentielle, celle du propre de l’homme. Comédien, metteur en scène et auteur, Jacques Viala a travaillé sur de nombreuses scènes en Belgique et à l’étranger. Il a également enseigné, notamment aux Conservatoires de Bruxelles et de Liège. Il a participé à de multiples tournages de films et de téléfilms de fiction, et à l’enregistrement de dramatiques radiophoniques. Il se définit lui-même, non pas comme un «artiste» (notion trop vague) mais comme un travailleur et un militant de la culture. Il met toute son expérience de vie au service de ce projet créé avec succès aux Riches-Claires. Un discours humaniste qui interpelle chaque génération, interprété avec générosité et talent ! Une production des Riches-Claires.

Un road movie désarmant Elles sont sœurs, d’âge mûr. Un peu tassées, peut-être ? Non. Disons embellies par le temps. A la mort de leur mère (quatre-vingt-dix-sept ans), Annette et Bernadette réalisent qu’elles n’ont jamais revu la tombe de leur père, enterré vingt-cinq ans plus tôt dans un cimetière, quelque part dans le Nord. Armées de la fraîcheur candide d’une complicité retrouvée, elles décident de partir à l’aventure : pour embrasser papa et pour lui dire que maman est partie. Efficacité et fluidité et par-dessus tout, réglée comme du papier à musique par Patrice Kerbrat, une superbe interprétation de Marie-Line Lefebvre et de Cécile Van Snick, osant tout. (Le Soir, août 2009) La comédie acérée du Français Pierre Notte est d’une écriture serrée, elliptique, dans un langage corsé, direct, fluide et syncopé : du jazz verbal ! (…) rien que du bonheur. (La Libre Belgique, mars 2010) Les Petites Dames vont et viennent, du crématorium au cimetière. Les Petites Dames qui sont en deuil, qui trimballent les cendres de leur mère, tout en chantant, en se souvenant, en se querellant, accomplissent leur périple. Les répliques, qui sont « en bouche », en rythme, en assonance, bref musicales, qui sont écrites pour les actrices, sont « vraies », font mouche, font rire. Pierre Notte connaît sur le bout des doigts les règles de la comédie : on s’y retrouve, on s’y reconnaît. Philippe Minyana Une production de l’Atelier Théâtre Jean Vilar et du Festival de Théâtre de Spa.

Un road movie désarmant Elles sont sœurs, d’âge mûr. Un peu tassées, peut-être ? Non. Disons embellies par le temps. A la mort de leur mère (quatre-vingt-dix-sept ans), Annette et Bernadette réalisent qu’elles n’ont jamais revu la tombe de leur père, enterré vingt-cinq ans plus tôt dans un cimetière, quelque part dans le Nord. Armées de la fraîcheur candide d’une complicité retrouvée, elles décident de partir à l’aventure : pour embrasser papa et pour lui dire que maman est partie. Efficacité et fluidité et par-dessus tout, réglée comme du papier à musique par Patrice Kerbrat, une superbe interprétation de Marie-Line Lefebvre et de Cécile Van Snick, osant tout. (Le Soir, août 2009) La comédie acérée du Français Pierre Notte est d’une écriture serrée, elliptique, dans un langage corsé, direct, fluide et syncopé : du jazz verbal ! (…) rien que du bonheur. (La Libre Belgique, mars 2010) Les Petites Dames vont et viennent, du crématorium au cimetière. Les Petites Dames qui sont en deuil, qui trimballent les cendres de leur mère, tout en chantant, en se souvenant, en se querellant, accomplissent leur périple. Les répliques, qui sont « en bouche », en rythme, en assonance, bref musicales, qui sont écrites pour les actrices, sont « vraies », font mouche, font rire. Pierre Notte connaît sur le bout des doigts les règles de la comédie : on s’y retrouve, on s’y reconnaît. Philippe Minyana Une production de l’Atelier Théâtre Jean Vilar et du Festival de Théâtre de Spa.

Stand-up « Tout va mal, la planète se réchauffe, les forêts disparaissent, les rivières sont polluées, on ne sait plus ce qu’on mange ! … Et pendant ce temps-là, je sais toujours pas où je vais partir en vacances… ». Avec beaucoup d’humour, Fabrizio Rongione aborde dans son seul-en-scène les défis de l’homme moderne. Sur le ton de la comédie, il épingle avec jubilation les paradoxes quotidiens de la globalisation : pourquoi les nouveaux prophètes verts prennent-ils continuellement l’avion ? Que penserait un paysan du Moyen Age s’il nous voyait courir sur un tapis roulant ? On vit peu mais on meurt longtemps vise en effet avant tout à faire rire et notre espoir le plus fou est de réussir ici un spectacle d’humour où l’homme moderne, dominateur et ambitieux, en prendra allègrement pour son grade. Samuel Tilman Une coproduction d’Eklektik Productions et de l’Arrière-Scène.

Trio d’enfer 1958. Philippe, marié à Sylvia, rencontre Olivier, auteur pour enfants qui collabore avec son épouse. Entre les deux hommes naît une attirance forte, refoulée dans un premier temps, vécue en cachette par la suite, finalement découverte par Sylvia. En 2008, Philippe et Olivier sont amants, mais Philippe vit mal les aventures furtives et malsaines d’Olivier. Ils ne cessent de rompre et de renouer tandis que Sylvia tient le rôle d’amie et confidente. S’ils ont en commun leur âge et leur prénom, Philippe, Olivier et Sylvia ne sont pas les mêmes personnages en 1958 et en 2008, bien que les événements de 1958 laissent comme des traces imperceptibles, un écho, dans les scènes ultérieures. Dans une construction audacieuse qui fait alterner deux époques, Alexi Kaye Campbell se penche sur les changements de mentalités et de comportements dans le domaine des relations intimes. Contrairement à ce que l’on peut penser, la libération sexuelle n’a pas nécessairement simplifié les choses… Si, en 1958, les aventures homosexuelles – marginalisées – ne se vivent pas au grand jour, 50 ans après, la solitude et la détresse sont toujours bien présentes. Car, paradoxalement, la tolérance accrue vis-à-vis d’une communauté autrefois pointée du doigt a ouvert la voie à une consommation sexuelle débridée. Au-delà de l’homosexualité, l’auteur aborde le couple et la responsabilité individuelle de son maintien, nous renvoyant tous à nos propres expériences. Une écriture résolument contemporaine – crue parfois –, un texte en coup de poing. Une production de l’Atelier Théâtre Jean Vilar. La pièce a été pour la première fois représentée par The English Theatre Company au Royal Court Theatre et produite par Matthew Byam Shaw et St Elmo Productions Ltd.

Souvenirs d’enfance Contes et berceuses est une mosaïque de petites histoires, fables et contes drôles, cocasses et pétillants enchâssés dans quelques-unes des plus belles berceuses de l’histoire de la musique des XIXème et XXème siècles. Au fil de ce large éventail de miniatures sonores, Absil, de Falla, Chopin, Stravinsky, Poulenc, Berio, Schumann, Prokofiev, Dvorak, Lachenmann, Debussy nous invitent à un voyage imaginaire au pays de leur enfance. Fondé à la veille du XXIème siècle, l’Ensemble 21 est né de l’urgence de proposer un regard alternatif sur la musique d’aujourd’hui. Convaincu de la nécessité de faire de la musique actuelle un art vivant et proche du public, l’Ensemble 21 privilégie sa relation aux arts de l’espace et à la dimension poétique dans le choix de son répertoire. La soprano Laure Delcampe se forme au Conservatoire royal de musique de Bruxelles dans la classe de Jules Bastin, ainsi qu’auprès d’Elena Nentwig et de Michelle Wegwart. Elle suit les master classes de Walter Berry, Mitsuko Shiraï et Hartmut Höll. Elle est lauréate de la Fondation belge de la Vocation et remporte le concours des Voix d’Or en France pour l’opéra, ainsi que le troisième Prix pour la mélodie. Ainsi, je me souviens d’avoir écrit trois petites pièces pour chant et piano que j’intitulai Souvenirs de mon enfance et dédiai à mes enfants. C’étaient des mélodies de mon invention sur lesquelles, dans mes années lointaines, je faisais souvent des improvisations pour amuser mes camarades. Igor Stravinsky L’Ensemble 21 et Laure Delcampe, Direction Marc Collet interprètent Contes et berceuses, un concert du Festival Musical du Brabant wallon et de l’Atelier Théâtre Jean Vilar avec le soutien de la Communauté Wallonie-Bruxelles.

Une langue magnifique, un auteur incontournable 1840, la révolution industrielle bat son plein en France. L’époque est à la modernité, la technologie, la finance et l’aventure coloniale algérienne. Le régime a remplacé les vieux crucifix par le roi « bourgeois » Louis Philippe. Dans le microcosme familial des Coûfontaine, Dieu s’est retiré depuis longtemps, laissant libre cours aux instincts féroces. Tout a un prix, les sentiments y compris. L’affrontement devient sans merci entre le patriarche Toussaint Turelure, qui cumule pouvoir, conquêtes et influences, et son fils Louis de Coûfontaine. Mais dans ce jeu, ce sont les femmes qui tirent les ficelles : Sichel, maîtresse juive de Turelure et Lumîr, ressortissante polonaise fiancée à Louis, s’allient pour tuer le vieillard. Elles décident que c’est Louis qui sera chargé du meurtre… Volet central de la célèbre trilogie dite « des Coûfontaine », initiée avec L’Otage, Le Pain dur dénonce le matérialisme triomphant du début du XXème siècle et son adjuvant, l’athéisme. Chaque personnage est mû par sa passion, qui évince sa foi en Dieu : la Pologne pour Lumîr, l’argent pour Turelure, la colonisation pour Louis, la volonté d’intégration pour Sichel. Une coproduction Compagnie Agathe Alexis et Compagnie des Matinaux – compagnies conventionnées par le Ministère de la Culture – DRAC Ile-de-France.

L’Opéra de Mozart revisité par Brook L’immense metteur en scène Peter Brook adapte « librement » l’ultime partition de Mozart, La Flûte enchantée, œuvre féerique, magique, qui ne cesse d’émerveiller tous ses publics, qu’ils soient connaisseurs, néophytes ou encore jeunes enfants ! Un ravissement à savourer en famille. Juvénile, troublante, drôle, cette histoire d’un jeune prince découvrant l’amour et la sagesse après avoir traversé les grandes épreuves du monde se déroule dans une clairière entourée de joncs en bambou. Pieds nus, sobrement vêtus, sans maquillage, les comédiens-chanteurs nous offrent la fable loin des conventions figées de l’opéra. Un spectacle léger et intense qui a su conserver la portée initiatique de l’œuvre de Mozart. Cette Flûte sera loin d’être celle qu’on peut attendre. La panoplie habituelle d’effets scéniques, le symbolisme ne feront pas partie du voyage. A leur place, le public pourra trouver un Mozart éternellement jeune, entouré de jeunes chanteurs talentueux, prêts à improviser, transposer, explorer de nouvelles couleurs, de nouvelles formes. Peter Brook, Franck Krawczyk et Marie-Hélène Estienne Les chants sont surtitrés en français : n’en perdez pas une miette ! Une coproduction C.I.C.T. / Théâtre des Bouffes du Nord ; Festival d’Automne à Paris ; Attiki Cultural Society, Athènes ; Musikfest Bremen ; Théâtre de Caen ; MC2, Grenoble ; Barbican, Londres ; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg ; Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa ; Lincoln Center Festival, New York. Production déléguée : C.I.C.T. / Théâtre des Bouffes du Nord, Paris. Avec le soutien du Centre International de Recherche Théâtrale.

Famille déjantée et humour noir pour une soirée décoiffante… Une famille anglaise pas vraiment comme les autres… Un père imitateur d’Elvis Presley et réduit à l’état de légume après un accident, qui rêve d’un succès passé. Sa fille, Jill, adolescente passionnée de cuisine, qui élabore des recettes fantaisistes, persuadée qu’elle parviendra à guérir son père. Et une mère, la quarantaine toujours aguicheuse, qui convie son jeune amant à leur table. Voici planté le décor de ce succulent huis-clos familial, savant mélange de cynisme, de cruauté et de réalisme. Le tout fourré, et c’est salutaire, d’une bonne dose d’humour corrosif ! Âmes sensibles s’abstenir… La Cuisine d’Elvis de Lee Hall, est une de ces pièces anglaises inimitables, entre cru et cuit, rêve et pulsions, à mourir de rire et à méditer, un revigorant nœud d’amour en tous sens, pris à bras-le-corps (même dénudé) par les désopilants et émouvants Cathy Grosjean, Isabelle Defossé, Vincent Lecuyer et le King, John Dobrynine. (Le Vif, juin 2007) Une comédie sur le bonheur, le sexe, la bouffe et… Elvis Presley. Cruauté, tendresse et kitsch mêlés sans tabou. (La Libre Belgique, mai 2006) 210 Productions présente un spectacle de La Compagnie Belle de Nuit.

Jeu de dupes Elle et Lui sont mariés depuis une dizaine d’années. Lui est un écrivain à succès, narcissique et sensible à toutes les flatteries féminines que son charme et sa notoriété lui apportent. Souffrant de plus en plus des tensions qui s’immiscent entre eux, Elle décide de le mettre à l’épreuve de manière inattendue. Mais quand ce jeu dangereux se transforme en piège, comment le couple peut-il en sortir indemne ? Une écriture drôle, piquante, enlevée et délicieusement observée. Le texte a été écrit à « quatre mains » par Claudia Nellens, d’origine belge et David Ambrose, Anglais pure souche. Elle amène le sujet, lui le « façonne » grâce à ses talents redoutables de dialoguiste. Et la pièce prend vie… Après Amour, amour, Cécile Van Snick choisit à nouveau de mettre en scène un auteur contemporain. Séduite par cette écriture féminine qui interroge l’amour, c’est à Marie-Line Lefebvre et Jacques Viala qu’elle confie ce jeu de dupes jubilatoire. Une production de l’Atelier Théâtre Jean Vilar. Une collaboration avec le Centre Culturel d’Ottignies-Louvain-la-Neuve – www.poleculturel.be La pièce ACTE 3 de Claudia NELLENS et de David AMBROSE est représentée dans les pays de langue française par l’agence DRAMA-Suzanne SARQUIER, Paris.

Pour sauver sa peau, tout est-il permis ? 1942. Dans la France occupée, sept amis se retrouvent pour fêter l’anniversaire de leur hôte. La soirée se déroule sous les meilleurs auspices, jusqu’à ce qu’au pied de leur immeuble soient abattus deux officiers allemands. Par représailles, la Gestapo investit le bâtiment et décide de prendre deux otages par appartement. Le Commandant Kaubach, qui dirige cette opération, reconnaît en la personne du propriétaire, Monsieur Pélissier, un libraire à qui il achète régulièrement des ouvrages. Soucieux d’entretenir les rapports courtois qu’il a toujours eus avec le commerçant, le Commandant Kaubach décide de ne passer prendre les otages qu’au dessert… Et mieux : il leur laisse la liberté de choisir eux-mêmes les deux convives qui l’accompagneront. C’est ainsi que peut commencer Le Repas des fauves. Monter Le Repas des fauves, c’est mettre au jour la capacité vitale qu’ont toujours eue les Hommes à se préserver joyeusement, à s’étourdir d’égoïsme et d’insouciance quand l’orage gronde autour, (…) c’est (également) impliquer le spectateur dans cette aventure, non comme juge, mais comme acteur d’une histoire à laquelle il aurait pu, ou pourrait être un jour confronté. Julien Sibre 4 nominations aux Molières 2011 – 3 Molières remportés Une coproduction de Atelier Théâtre Actuel en accord avec le Théâtre Michel, la Compagnie Minus & Cortex et Circé Productions.