1978 - 1979

Paraphrase clownesque de l’histoire biblique d’Adam et Eve par le Divadlo na Provskv – Brno, Tchécoslovaquie. En 1975, il s’est fait connaître hors des frontières de son pays en obtenant un immense succès au Festival de Nancy.« Adam et Eve » est une paraphrase clownesque de l’histoire biblique, de la rencontre spontanée de l’homme et de la femme, dont la naïve approche tombe rapidement sous le contrôle de deux personnages vêtus de noir, symbolisant notre société oppressive qui détruit ce que l’homme a de plus précieux : l’Amour.En 1976, à l’occasion de la fête du travail, l’Atelier théâtral avait eu le plaisir d’accueillir le Divadlo Na Provasku pour une représentation d’Adam et Eve, au Théâtre Blocry.Les spectateurs leur ont fait une fête ; ils étaient heureux ; nous nous réjouissons de recevoir à nouveau ces merveilleux comédiens.

Alexeï Arbuzov est l’un des auteurs les plus aimés aujourd’hui à Leningrad, à Kiev, ainsi que dans les campagnes russes qu’il parcourt avec ses acteurs. La pièce a été écrite en 1975. »Comédie à l’ancienne » est un bain de jeunesse car c’est par leur fraîcheur préservée que les personnages nous atteignent. La pièce est simple, claire, « naïve », d’un coeur très fort qui n’a pas honte. Elle traite du problème des marginaux, de tous ces gens qui souffrent et que la société essaie par tous les moyens d’ignorer. C’est précisément ce théâtre là qui, souvent, nous manque aujourd’hui. « Comédie à l’ancienne » a été jouée à Louvain-la-Neuve, à Bruxelles et dans de nombreuses villes wallonnes au cours de la saison théâtrale 77-78. L’accueil enthousiaste réservé par un public très varié – adultes, scolaires, personnes âgées – à ce spectacle, nous incite à le reprendre en 78-79.

Par l’Atelier théâtral de Louvain-la-neuve en co-production avec le Festival d’Avignon. Deux hommes sur une route de campagne déserte, attendent un mystérieux personnage appelé Godot. Qui est-ce ? Beckett : « Si je le savais, je l’aurais dit dans la pièce ». Le moment est sans doute venu de faire passer cette pièce du répertoire intimiste et de l’avant-garde prétendument « absurde » des années 50 à sa véritable place : celle d’un grand chef-d’oeuvre classique du 20ème siècle.

Par l’Atelier théâtral de Louvain-la-neuve en co-production avec le Festival d’Avignon. Deux hommes sur une route de campagne déserte, attendent un mystérieux personnage appelé Godot. Qui est-ce ? Beckett : « Si je le savais, je l’aurais dit dans la pièce ». Le moment est sans doute venu de faire passer cette pièce du répertoire intimiste et de l’avant-garde prétendument « absurde » des années 50 à sa véritable place : celle d’un grand chef-d’oeuvre classique du 20ème siècle.

En avant-première de son récital à l’Olympia. Le travail de son père, comptable participant à la création d’entreprises, nécessitant des déplacements fréquents, Guy Béart grandit dans différentes villes d’Europe et du Mexique avant de se fixer au Liban, où il suit la majorité de ses études, entre dix et dix-sept ans, âge auquel il part pour Paris. Inscrit à l’École nationale de musique (il y joue de nombreux instruments : violon, mandoline), il est parallèlement accepté au lycée Henri-IV (classes préparatoires maths sup et maths spé) puis reçu à l’École nationale des ponts et chaussées, d’où il sort avec un diplôme d’ingénieur. Il débute au bureau d’études de l’entreprise Sainrapt et Brice3, et dirige notamment la construction d’un pont à Maxéville (près de Nancy) pour l’accès aux carrières Solvay. Guy Béart se lance dans la chanson à partir de 1954, dans les cabarets parisiens de la Rive gauche, notamment La Colombe de Michel Valette ou Les Trois Baudets de Jacques Canetti qui le fait signer sur son label de musique Philips4 en 1957. Il y chante le Bal chez Temporel, dont les paroles adaptent le poème Le Tremblay de l’écrivain André Hardellet. Ce premier succès lui apportera, dès 1958, le Grand Prix du disque de l’Académie Charles-Cros. Il sera suivi de nombreux autres, comme L’Eau vive et Qu’on est bien (1958), Les Grands Principes (1965), Le Grand Chambardement (1967), La Vérité (1968), devenus des classiques. Puis il enregistre deux albums de chansons françaises traditionnelles, dont Vive la rose. Il écrit pour de nombreux artistes (Patachou, Zizi Jeanmaire, Juliette Gréco, qui chante Chandernagor et Il n’y a plus d’après).

TUB (création en juin 1973, à New-York). LOVERS (création en mai 14978, au Festival de Saint-Denis). SPEEDS (création en juin 1974, à New-York. Cette troupe américaine pratique la « modern dance » avec tout ce que cela comporte de perfection technique, de liberté et de vertus professionnelles. On y trouve l’esprit corrosif, la puissance et l’imagination créatrice. Son talent la porte vers la représentation réaliste et subversive de la vie quotidienne.

Le texte joué est une adaptation scénique faite à l’occasion de ce spectacle par Geneviève Serreau et Benno Besson. Cette traduction est à la fois plus littérale et plus fidèle à la dynamique théâtrale des réparties. La mise en scène obéit au même esprit de fidélité aux exigences de l’oeuvre. Elle suit la logique propre de chaque situation scénique en tenant compte de sa portée actuelle, puisque le théâtre de Brecht est fondé sur une relation effective du jeu aux spectateurs. Une coproduction Atelier théâtral de Louvain-la-Neuve, Théâtre National de Chaillot et Festival d’Avignon.

Par les Galas Karsenty. Dans un café du Palais-Royal, la Régence, Diderot, le célèbre philosophe et moraliste du XVIIIème siècle, rencontre un aventurier cynique et débauché, le neveu du grand compositeur Jean-Philippe Rameau.Sur le ton de la plus libre comédie s’établit un dialogue plein de verve et de cocasserie et de richesse où ils affrontent leurs points de vue sur la vie et la morale.Le cynique y marque plus de points que le philosophe.

Le temps d’une vie c’est plus qu’un spectacle. C’est un retour aux sources, un regard chaleureux sur un rude passé nécessaire à un meilleur avenir.

Par le Théâtre des Quartiers d’Ivry. Antoine Vitez a réuni un groupe de douze acteurs pour répéter simultanément ces quatre pièces qui font la clé de voûte de l’oeuvre de Molière. Il n’y a qu’un seul décor pour les quatre pièces ; il représente à la fois l’intérieur et l’extérieur, suivant qu’on joue « Le Tartuffe » ou « L’école des femmes ». On fait apparaître, dans les quatre pièces, les correspondances entre les personnages et les situations ; les acteurs copient les personnages d’une pièce sur l’autre, et celui qui joue un valet ici en garde quelque chose pour jouer un seigneur là-bas. Ou l’inverse. En gros, c’est toujours le même homme avec toujours la même femme. Molière toujours, vieux tyran domestique et amant juvénile. Et les femmes ne sont pas peintes en elles-mêmes mais relativement à lui, il faut l’avouer.Enfin, Molière tel qu’il n’a pas été joué pendant longtemps, la censure et la culture de l’époque étant sans appel.

Avec une trentaine d’acteurs comprenant comédiens et techniciens, ainsi que des élèves-comédiens de l’IAD, qui tiendront 80 rôles. Une création de l’Atelier théâtral de Louvain-la-Neuve. Personnage ambigu, sceptique d’origine romantique, Lorenzaccio reste enfermé dans sa subjectivité, ne voit comme absolu, comme mesure de toute valeur, que lui-même. Il ne peut reconnaître la culpabilité inévitable de toute intervention dans la réalité. Il ne peut se réconcilier ni avec elle, ni avec lui-même. En se cherchant dans le monde, il se perd nécessairement parce qu’il se heurte partout à son Moi vidé de sens.

Coproduction du Théâtre du Soleil, Ariane Mnouchkine en collaboration avec l’Atelier théâtral de Louvain-la-Neuve. Tous les choix, même les plus « petits » en apparence, sont graves. Le roman trace le portrait d’un carriériste – un acteur en l’occurrence – dans l’Allemagne des années 1920 à 1936. Un de ces millions de petits coupables qui ne commettent pas de grands crimes, mais qui mangent le pain des assassins. Ils ne tuent pas eux-mêmes, mais ils se taisent lorsqu’un meurtre est accompli. Ils recherchent la gloire au-delà de leurs mérites. Ces millions de petits coupables sont les piliers des puissants ».  

Peter Brook revient à l’Atelier Théâtral après le grand succès rencontré en Belgique par « Timon d’Athènes », dans une nouvelle adaptation de « Mesure pour mesure » de Shakespeare. Il fonde en 1970 à Paris le Centre International de Créations Théâtrales qui est un lieu d’improvisations, d’exercices, de discussions, de recherches théâtrales et de création.

En ce qui concerne les décors, Krejca nous dit ceci : « Je désire un espace vide avec trois éléments mobiles : le balcon, un mur et un parallélépipède; c’est tout. Dans ce décor dépouillé, les comédiens auront à rendre concrets – dans l’espace et dans le temps – les thèmes de la pièce. C’est sur des êtres humains que l’attention doit se concentrer, leurs pensées, leurs sentiments, leurs passions, leurs rêves. » Par le Théâtre National de Belgique.

Sol, c’est Marc Favreau, Mime-clown joueur de mots canadien. Marc Favreau rejoint les plus grands dans la pure tradition du théâtre à la fois comique et populaire. A preuve, l’immense succès qu’il a remporté à Avignon en 1977.

Par le Centre Dramatique de La Courneuve. Foncièrement gai et populaire, avec des plages de gravité et de tendresse émue, le spectacle bondit. Une légende fait naître Till Eulenspiegel dans le duché de Brunswick, et le fait mourir de la peste noire en 1350 à Mölln, en Saxe. Dans une autre légende, il naît et meurt à Damme, l’ancien port de Bruges.

Une production du Centre International de Recherche Théâtrale (Paris, France). Par La Troupe du théâtre des Bouffes du Nord – Création à Paris le 23 novembre 1977. Ubu Roi a été représenté pour la première fois à Paris, le 10 décembre 1896, au Théâtre de l’Oeuvre. Alfred Jarry, né à Laval en 1873, avait 23 ans mais la pièce existait depuis plusieurs années. On en connaît une première version dès 1888, sous le titre Les Polonais. Elève au lycée de Rennes, âgé de 15 ans, Jarry mit en forme un texte composé par lui-même et plusieurs de ses condisciples. Il y avait, au lycée de Rennes, un professeur de physique nommé Hébert, qui incarnait aux yeux de ses élèves « tout le grotesque qui est au monde ». Il est le premier visage de Ubu. La représentation suit à peu près le texte d’Ubu Roi jusqu’à la scène de la caverne et de l’ours. A partir de cette scène, apparaît le texte d’Ubu sur la Butte qui est une version plus courte et plus tardive d’Ubu Roi. Ubu sur la Butte a été représenté pour la première fois le 10 novembre 1901 par les marionnettes du Théâtre Guignol des Gueules de Bois, aux Champs-Elysées. Après le départ de Pologne et l’arrivée à Paris, nous sommes dans Ubu Enchaîné, pièce qui fut écrite en 1899. Alfred Jarry y voyait une « contre-partie d’Ubu Roi ».La « Chanson du décervelage » – dont la musique est de Claude Terrasse, ami et collaborateur d’Alfred Jarry – vient d’Ubu Cocu, la quatrième pièce du cycle. Une première version de cette pièce existait déjà à l’époque du lycée de Rennes. C’est vers 1896 que Jarry lui donna une forme définitive. La chanson elle-même fut ajoutée en 1900. La pièce n’a pas été représentée du vivant de l’auteur pas plus qu’Ubu Enchaîné.Jarry mourut le 1er novembre 1907 à l’hôpital de la Charité, rue Jacob. Il allait avoir 34 ans.